Explora el Universo Valiant: La Guía Definitiva en Moztros Editorial

El Universo Valiant es un pilar fundamental en el mundo del cómic con personajes complejos y una mitología rica que cautiva a cualquiera que se acerca a leerla. Ahora es posible sumergirse en este universo con ‘Universo Valiant: La Guía Definitiva’, una obra que recopila información esencial sobre los héroes, villanos y eventos clave de esta editorial. En Moztros Editorial estamos muy orgullosos en presentaros esta joya.

¿Qué encontrarás en esta guía?

Esta edición ofrece un recorrido completo por los personajes más icónicos de Valiant, incluyendo a Bloodshot, Shadowman, Ninjak, X-O Manowar y muchos más. Además, se presentan perfiles detallados, habilidades, relaciones y eventos cruciales en la historia de cada uno de ellos.

La guía también es una herramienta imprescindible para aquellos que deseen descubrir las conexiones entre los diferentes títulos y las sagas que han definido el universo Valiant a lo largo de los años. Con una estructura organizada y un diseño muy cuidado, es el recurso ideal tanto para nuevos lectores como para coleccionistas veteranos.

Contiene un póster del Renacimiento del Universo Valiant para contemplar la belleza de este universo. Además, incluimos una recomendación de lectura y organización de los títulos ya publicados, Renacimiento y de la NUEVA ERA en VALIANT BEYOND.

100% GRATUITA Esta edición está disponible en tiendas especializadas y a través de pedidos online en Moztros.com, permitiendo a los fans de Valiant acceder a esta información de manera sencilla. Si eres un seguidor de este universo o simplemente quieres conocer más sobre sus personajes y tramas, esta guía es imprescindible.

No te quedes sin ella y explora el legado de Valiant, imprescindible para cualquier fan del cómic.

¡Descubre el Universo Valiant y sumérgete en sus historias como nunca antes!

Todo comienza con una historia corta que la artista Sarami dibujó para tener algo que presentar en un evento de venta de doujins. Allí, la sorprendió el excelente recibimiento de estos personajes, unos adolescentes japoneses que en sueños conocían a jóvenes de otro plano de la existencia con los que conversaban sobre sus dudas acerca de lo que les depararía el futuro. Así, la revista digital Michikusa convenció a Sarami de convertir el concepto en una serie, que comenzó a publicarse a partir de 2021 y se convirtió en un éxito entre sus fieles seguidores.

En esta versión, los personajes principales terminan tomando sus formas definitivas. Nagi es una apasionada del buceo que no sabe qué hará cuando acabe el colegio. Rin ama todo lo que tenga que ver con la vida moderna juvenil y quiere irse del pueblo para poder ser su verdadero yo lejos de su familia. Yutaro siente que está vacío, que nada lo impulsa a seguir adelante. Estos tres jóvenes están en una encrucijada, en el último verano de sus vidas como estudiantes de instituto en un pueblo playero alejado de las multitudes, pero ni se imaginan cómo cambiará todo para ellos antes de volver a clases.

ASTRO BIOLOGIST PRATESS es tanto un manga de “recuentos de la vida” como una introspectiva obra de ciencia ficción. Sarami es una persona admitidamente muy espiritual, muy ligada a la astrología, las sesiones de espiritismo y la investigación del horóscopo. Esos conceptos no aparecen así tal cual en la historia, claro, pero sí está inmersa en una atmósfera densa en la que lo emocional y lo vital moldean el destino de sus personajes.

Nagi se toma una siesta una tarde y despierta en el espacio convertida en un marshmallow con cara (en serio). En este avatar cósmico, conoce a Pratess, un astrobiólogo que anda por la galaxia registrando todas las formas de vida exóticas que se encuentra. Es un ser enigmático, muy charlatán pero de pasado poco claro y, sobre todo, con más ganas de compartir un buen momento que de ponerse a dar discursos complejos acerca de cómo funciona realmente el universo que lo rodea. Antes que astrobiólogo, Pratess es un amigo.

A medida que nuestros personajes van descubriendo la existencia de Pratess, sus ojos se van abriendo a nuevas perspectivas, tanto sobre el mundo que les rodea como sobre sus propias vidas. ¿Acaso las cosas que les angustian son tan importantes? ¿Realmente están atrapados en los esquemas que tanto les agobian? Si hay un universo tan amplio ahí afuera, ¿cómo no querer salir a explorarlo?

Las reglas de la cosmología de Pratess, Lauro y el resto de las almas que aparecen flotando por estas páginas son ambiguas, como si sus apariciones fueran producto de un sueño muy tangible. El universo onírico de Sarami tiene una estructura, solo que no podemos apreciarla del todo desde nuestro lugar como mortales. Para la autora, cada vida esconde un aprendizaje, una lección acerca de cómo todo está conectado en más formas de las que somos capaces de reconocer y que solo se termina de aprender cuando ya estamos en ella. El espacio, las dimensiones y los sueños son todas caras de una misma realidad, una más allá de esta, que espera pacientemente a cada alma.

ASTRO BIOLOGIST PRATESS toca muchísimos temas, incluyendo la apatía adolescente, la identidad, las problemáticas LGBT+, la fantasía y la espiritualidad, y uno de sus recursos principales para abordarlos es el paralelismo, la forma en la que algunos personajes de la Tierra no solo emulan a otros del espacio, sino que en cierto modo son ellos. Almas que reencarnan, personalidades compartidas en el tiempo y el espacio, gemelos cósmicos que se reencuentran del otro lado del espejo. Esas dinámicas tan especiales extrañan tanto como fascinan, e invitan a la relectura de esta obra que, de tan fantasiosa, da la vuelta y acaba encontrándonos justo en nuestra puerta.

Los 18 capítulos de ASTRO BIOLOGIST PRATESS fueron publicados en dos monísimos tomos por la editorial Two Virgins en Japón, un par de bellas ediciones que desde sus portadas representaban el amanecer y el ocaso en las playas del pueblo de Nagi y sus amigos. Desde Moztros, y como se ha hecho en otros países, publicamos la historia integral en un VOLUMEN ÚNICO DOBLE con sobrecubierta reversible, para que cada quien exponga su portada favorita, además de detalles en retiración y una galería de material extra interesantísima.

La obra de Sarami es realmente una gloria del manga alternativo, juvenil y moderno, diferente a todo lo que la rodea en las tiendas y con muchas ganas de cambiar las vidas de sus lectores. O, al menos, de darles otro punto de vista.

]]> https://www.antigua.moztros.com/blog-moztros/entrevista-richard-blake-hexagon-bridge/ Wed, 04 Sep 2024 15:30:57 +0000 https://www.moztros.com/blog-moztros/entrevista-vicenfe-cifuentes-shadowman-2/ Llueve y hace calor en esta noche donde quedamos, paraguas en mano, con Richard Blake. Richard Blake recibió su BFA de la Escuela de Diseño de Rhode Island, incluido un año de práctica de estudio en Roma, Italia, y su MFA de la Universidad de Cornell. Después de varias exposiciones colectivas y una exposición individual en 2005, se mudó a la ciudad de Nueva York y comenzó a trabajar como artista de guiones gráficos para varias compañías cinematográficas y comerciales.

En 2019 aborda la su obra Hexaon Bridge (Image 2023 – Moztros 2024) creando  así su primera novela gráfica que nos transporta a un plano vaporoso, melancólico y contemplativo de donde no queremos salir, como de este bar.

Hola Richard, antes de comenzar a hablar sobre Hexagon Bridge, queremos decirte lo emocionados que estamos de haber sido los responsables de publicar esta obra por primera vez en España. También queremos decirte que disfrutamos mucho de la pieza. Y, por supuesto, es un tremendo placer tenerte aquí con nosotros hoy. ¿Cómo va todo? ¿Cómo te sientes?

¡Estoy muy contento de que estén publicando el cómic y emocionado por su edición! Nunca habría pensado que el libro llegaría tan lejos como España, así que ver que esto está sucediendo es realmente maravilloso, y estoy muy agradecido por vuestras amables palabras y su respuesta a la obra. Estoy bien, fue un proyecto bastante largo para mí y mucho (siendo mi primer cómic) una experiencia de aprendizaje. En este momento estoy decidiendo qué abordar a continuación y tengo algunas cosas que estoy muy emocionado por comenzar, un proyecto en particular ha estado en mi lista desde hace mucho tiempo y creo que estoy listo para llevarlo a cabo. Esta será una serie más larga, pero también estoy trabajando en algunas piezas cortas solo para sacar algunas cosas lo antes posible.

Antes que nada, nos gustaría preguntarte cómo surgió Hexagon Bridge. ¿Fue algo natural o fue un proyecto que tuviste en mente durante años hasta que finalmente tomó forma?

Una vez que decidí que el cómic era un medio en el que quería trabajar, comencé a planificar algunas obras cortas solo para tener una idea de la forma y cómo podría querer trabajar en ella. Hexagon Bridge iba a ser originalmente un cómic web muy simple sobre un cartógrafo que viajaba mapeando otras dimensiones, metiéndose en líos, encontrando seres y paisajes extraños, algo similar a una tira cómica clásica de periódico. Esto es algo que todavía planeo hacer basado en el personaje de Martin Dutois en el libro, y será un enfoque más experimental. Al mismo tiempo que comencé a diseñar los personajes y escribir la historia para este cómic web, también estaba leyendo algunos libros sobre la historia de la cartografía y (lo que pude encontrar) explorando la posibilidad de dimensiones alternativas de la realidad. De particular relevancia es el libro de John Noble Wilford sobre la historia de la cartografía y varios libros sobre la investigación de experiencias con drogas psicodélicas. Surgió la idea de una familia de cartógrafos que intentan mapear una dimensión alternativa, y supe que tenía una historia y un drama mucho más grandes que parecían más apropiados como libro que como cómic web. Así que comencé a centrarme más específicamente en esta historia, diseñando sus personajes, mundo y el conflicto específico en el centro de la historia, que en última instancia involucra al personaje de Adley buscando a sus padres perdidos.

En tu formación, te has aventurado en áreas como el cine y las bellas artes, y este proyecto marca tu debut en el mundo de los cómics. ¿Cuál fue tu experiencia con el medio como lector, y qué te llevó a elegirlo como tu medio en lugar de optar por un producto audiovisual?

Creo que, como muchos artistas, descubrí los cómics bastante joven, y lo que principalmente me atrajo primero fue, por supuesto, el aspecto artístico del medio. Pero el hecho de que pudieras usar dibujos como una forma de contar una historia era una perspectiva increíblemente emocionante, aunque un poco desalentadora desde el punto de vista creativo. Esto también fue en los 80, así que había muchos cómics americanos geniales y atrevidos saliendo al mercado, libros como Watchmen y el trabajo de Frank Miller en Batman y Elektra, pero también todos los pequeños editores independientes que publicaban todo tipo de cosas locas. Se sentía como si algo realmente emocionante estuviera ocurriendo y emergiendo. Por varias razones, me alejé del medio y terminé en las bellas artes y el cine, y a lo largo de mis 20 años estuve haciendo varios proyectos en esa línea. Fue realmente mi frustración con el cine – la lentitud de la producción, el dinero y la enorme logística – lo que realmente me hizo pensar de nuevo en los cómics. Pese a que en los cómics se exige un montón de trabajo trabajo, sigue siendo una práctica increíblemente directa en comparación con el cine… particularmente si estás haciendo todo por ti mismo. Puedes imaginar historias y explorar ideas con una inmediatez que pocos medios visuales de narración tienen. Además, debo señalar que no pienso en los cómics como paralelos al cine. Tienen elementos cinematográficos, pero es emocionante como un medio en sí mismo. Cuando estoy creando un libro, solo estoy pensando en cómo funciona cómo cómic, y no como un plano para algo más. El potencial del diseño de la página y el diseño del libro es más que suficiente para explorar y considerar. Es muy rico e interminable en términos de posibilidades creativas.

Siendo una historia tan onírica que se centra más en transmitir que en contar, si tuvieras recursos ilimitados, ¿crees que podría haber funcionado igual de bien como algún tipo de cortometraje?

La premisa básica de la historia y todos los elementos de diseño ciertamente podrían tomarse y hacerse en una especie de pieza audiovisual, pero sería una cosa muy diferente. El verdadero desafío del cine, incluso con recursos ilimitados, es crear un mundo que se lea como creíble. Cualquier error en el diseño de producción, la fotografía, la actuación, etc. puede sacar al espectador del trabajo y revelarse como algo poco convincente. La belleza de contar una historia gráficamente es que los dibujos están tan abstraídos del mundo “real” como lo experimentamos. Existen dentro de su propia realidad aislada, y mientras sean relativamente consistentes, ese mundo aislado puede mantenerse efectivamente para un lector. Así que, si bien el cine es un sitio increíble para la construcción de sueños, también es el más difícil de mantener desde el punto de vista de la credibilidad. Probablemente porque requiere que el lector utilice su imaginación al unir todos los paneles dispares. Como medio, los cómics parecen activar sueños dentro de la conciencia en lugar de solo mostrarlos. Dicho esto, he considerado hacer algunas piezas de animación cortas basadas en la estética del mundo y los entornos del libro, pero nuevamente, al final será algo muy diferente.

Sabemos que el reconocido Jonathan Hickman fue bastante influyente para que este proyecto despegara. ¿Qué significó para ti el reconocimiento de un autor tan conocido, y cómo ha sido tu experiencia como autor debutante en una editorial con tanta historia como Image?

De hecho, fue increíblemente generoso por parte de Hickman llevarme a la atención de Eric Stephenson en Image. Creo que es justo decir que sin su ayuda no estaría hablando contigo ahora, así que estoy eternamente agradecido por su apoyo. Del mismo modo, todos en Image han sido geniales para trabajar. Realmente fue el ajuste perfecto ya que la filosofía de Image realmente apoya la visión del creador, y Eric fue increíblemente solidario durante todo el proceso. Como autor debutante, no creo que podría haber pedido una mejor oportunidad. El libro ciertamente tiene un aspecto experimental y Image siempre estuvo detrás de esas decisiones, así que fue realmente un lugar maravilloso para aterrizar.

Como autor estadounidense, es sorprendente que el aspecto gráfico esté claramente influenciado por un estilo más asociado con el mercado franco-belga. ¿Es este un estilo que buscaste intencionalmente o fue algo más inherente a tu trabajo e influencias?

Mencioné haber encontrado autores y artistas como Miller y Sienkiewicz en los 80, pero fue realmente cuando descubrí el trabajo de Moebius, Bilal y Schuiten en las páginas de Heavy Metal que encontré el camino estético que quería seguir. Esa revista me presentó a tantos artistas que forman la columna vertebral de mi influencia, no solo en la tradición franco-belga, sino también en creadores argentinos como Juan Giménez, Alfonso Font y Fernando Rubio. Hay un nivel de arte allí que establecí como algo a lo que aspirar, incluso si nunca me acerco a ello. Hexagon Bridge es esencialmente el tipo de cómic que me hubiera gustado encontrar enterrado en los polvorientos montones de viejos cómics europeos cuando era niño… una especie de mensaje en la botella enviado de vuelta a mi yo más joven.

También nos gustaría destacar a nuestros lectores que, además de contar con un aspecto visual impresionante, digno de ser exhibido en museos, la narrativa que usas para contar la historia es absolutamente magistral. ¿Cómo lograste este nivel?

¡Mis más sinceros agradecimientos por tus comentarios! En toda honestidad, siento que todavía tengo mucho que aprender en términos de mi enfoque narrativo. Había escrito cuentos y guiones antes de comenzar a trabajar en cómics y estudie las diversas estructuras formales desarrolladas por escritores experimentados en esos campos, pero con Hexagon Bridge quise tomar un enfoque ligeramente diferente. Quise contar la historia a un nivel visual y subtextual tanto como fuera posible, es decir, más se ve que se dice. Las emociones de los personajes están integradas en el tejido de cada elemento visual del libro en lugar del texto. Los colores, el diseño de la página y las composiciones de los paneles reflejan el estado de ánimo y los pensamientos. Como tal, es más un libro de “vibras” y funciona más como una pieza de música ambiental que, digamos, un guión de película. Todos los momentos emocionales están allí, pero son más como una corriente subterránea dentro de la estructura formal del libro. Del mismo modo, como una de las piezas de música generativa de Brian Eno, no tiene un comienzo claro, un medio y un final, solo se mueve de una sección a otra, siempre regresando a los mismos temas y emociones. Parte de esto fue intencional y gran parte fue instintivo, pero con suerte, todo se combina para algo más grande que solo la suma de sus partes.

Para cerrar, Richard, ¿qué consejos darías a los nuevos artistas y creadores que están empezando? ¿Qué les dirías a aquellos que sueñan con dar el salto a un medio como el cómic o cualquier otro arte narrativo?

Sin duda alguna, el trabajo constante es clave. Sea cual sea el medio en el que decidas trabajar, se debe abordar de manera continua y constante. Se avanza paso a paso, siempre revisando el trabajo anterior y buscando maneras de mejorar. La evolución en el arte llega de esa manera, y con ella, la voz personal del creador comienza a emerger con mayor claridad. Es importante no compararse demasiado con otros artistas, especialmente aquellos con mucha más experiencia. Cada uno sigue su propio camino y desarrolla su arte a su propio ritmo. No hay un calendario establecido para el éxito, y no siempre se manifiesta de la manera que uno esperaba. Lo esencial es mantenerse fiel a la pasión por el trabajo y dejar que el proceso de creación sea su propia recompensa. Todo lo demás sigue de manera natural si la dedicación y el amor por el arte son genuinos.

Ha sido un placer charlar contigo Richard, ¡Muchísimas gracias por habernos dedicado tu tiempo y esperamos volver a tenerte pronto por la casa!
El placer ha sido mío, gracias y mando un saludo a todos los lectores de Moztros, ¡hasta pronto!

La historia nos transporta al mundo nórdico de los años 535 y 536 d.C., donde la realidad se entrelaza de manera magistral con los mitos, reflejando un periodo oscuro en los territorios nórdicos antes de la era vikinga. El guion de Joshua Dysart está meticulosamente elaborado y profundamente inmerso en el mundo que pretende retratar. Un buen ejemplo de ello, aunque pequeño, es el uso de nombres protogermánicos para los capítulos/versos (ainaz para uno, twai para dos, þrijoz para tres, fedwōr para cuatro, fimf para cinco y sehs para seis), demostrando la dedicación y la excelente documentación que caracteriza esta obra. Es fascinante ser testigo de lo que se presenta ante nuestros ojos.

Dysart también menciona a personajes de la mitología nórdica sin identificarlos directamente, sino que se apoya en sus características y adjetivos, lo cual otorga al relato un aura mística y primigenia. Este enfoque es un verdadero acierto que nos permite disfrutar plenamente de cada giro del guion en esta impresionante historia que nos sumerge en su universo.

El dibujo de Tomás Giorello es complejo y abrumador, lleno de detalles que no dejan indiferente a nadie y que capturan el interés del lector una y otra vez. Su arte se complementa perfectamente con la maestría en el color de Diego Rodríguez, creando un conjunto espectacular que es, sin duda, una magnífica obra de arte que nos hace soñar despiertos. En varias ocasiones, se pueden apreciar ejemplos del arte vikingo en los estilos Ringerike y Urnes, destacando especialmente este último por sus diseños estilizados y esbeltos, que se entrelazan con trazos detallados en barcos, edificios y decoraciones. Giorello refleja esta influencia no solo en las decoraciones, sino también en la representación de escenas rápidas, sinuosas y caóticas.

También podemos observar detalles como la representación del símbolo de protección ægishjálmur en un escudo portado por uno de los protagonistas. Este símbolo era utilizado por los guerreros vikingos para intimidar a sus enemigos en batalla y como signo protector del portador. Aparece en varias sagas nórdicas, incluida la famosa Saga Völsunga, donde se narran las hazañas del héroe Sigfrido/Sigurd frente al poderoso dragón Fafnir. Estos son claros ejemplos de la detallada documentación pictórica con la que cuentan los creadores de esta obra magistral, que deleitará a los lectores más curiosos y exigentes..

Este es un verdadero placer artístico sobre el periodo oscuro que retrata, y precisamente por ello, expresa una gran imaginación que podemos disfrutar en cada una de sus páginas. La aventura que se nos muestra merece totalmente la pena, una maravilla artística que hay que tener y disfrutar.

Los legendarios MONSTRUOS DE LA UNIVERSAL encuentran su casa en
Moztros Editorial.
Donde, si no, iban a estar mejor estas criaturas.