Y si bien la mayoría se encuentran en baremo de calidad alto, estas propuestas podrían compararse al catálogo de una heladería, con los clásicos sabores de chocolate o vainilla. Pero imaginemos que un día vais decididos a comprar vuestro helado favorito, y te ofrecen un sabor nuevo y diferente, que al probarlo, resulta familiar y conocido, pero con nuevas sensaciones. Este nuevo sabor es Ice Cream Man, y será difícil quitarse el regusto que deja.

Hablamos de una serie que comenzó su publicación en 2018 dentro de Image Comics, y que a día de hoy cuenta con 38 números publicados en USA y que aún sigue en curso. Un título que, con su reciente llegada a España, se ha consolidado como una de las novedades más interesantes en las librerías, y que nos ofrece una visión muy diferente del terror, y nos remonta a la época dorada del Indie Americano.

El estilo de concepción de cómics está en constante cambio y evolución, y lejos quedan las grandes series del Indie, que presentaban una idea de larga proyección, con una intención clara de sus creadores y de lo que querían contar. Pero aún con la sobreexplotación del cómic, Ice Cream Man evita replicar las fórmulas actuales, donde priman proyectos de muy escasa duración, y nos vuelve a traer el sabor clásico de Image, con una historia tan original como ambiciosa.

Los artesanos heladeros que han confeccionado esta nueva explosión de sabores no son otros que el tándem formado por W. Maxwell Prince y Martín Morazzo, con el topping agregado de Chris O’Halloran.

La propuesta sobre la que se construye el proyecto es principalmente una serie de historias antológicas y autoconclusivas, que presentan un hilo conductor, que no es otro que un nada simpático Heladero. Un personaje misterioso y bastante perturbador que, camuflado en su camión de vendedor de helados, se convertirá en la mayor pesadilla de los habitantes de la ciudad donde se ha instalado.

El lagarto atómico por excelencia se ha ganado una gran popularidad en los últimos años, en un momento en el que Hollywood ha encontrado su nueva gallina de los huevos de oro con los universos cinematográficos compartidos. La aparición del apodado Monsterverse ha revitalizado una franquicia y unos personajes casi extintos, y ha vuelto a poner en el mapa a grandes íconos de la cultura.

Es por ello, que con la inminente llegada de Godzilla X Kong, además del reciente galardón en los Oscar de Godzilla: Minus One, se nos hace inevitable echar la vista atrás y depositar nuestros ojos en James Stokoe.

Si bien, el producto que analizaremos hoy dista bastante de estas producciones, nos sirve como excusa para reivindicar el valor del mismo.

Con una trayectoria que abarca setenta años de historia, la criatura nacida en oriente cuenta con más de una treintena de producciones audiovisuales, además de diversos trabajos en el cómic. Y es en el pasado 2023, cuando Stokoe aterrizó en Moztros, una editorial que, por derecho propio, merecía tener este título en su catálogo.

La trama nos sitúa en Tokio, a mediados de los años 50, con la primera irrupción del monstruo, arrasando todo lo que se cruza en su camino. Es entonces cuando entra en escena Ota Murakami, un joven e inexperto militar, que se ve completamente superado por la situación, y contra todo pronóstico, se toma una cruzada muy personal contra la criatura.

A partir de esta primera toma de contacto, los destinos de ambos personajes quedarán completamente ligados, y veremos que, durante cincuenta años, Ota intentará por todos los medios posibles acabar con el Titán. Todo ello se irá desarrollando a través de una narración del diario que ha ido escribiendo Ota, en donde queda totalmente marcada su determinación, disciplina, e incluso obsesión por Godzilla.

Y allá donde las producciones de Hollywood reciben sus mayores críticas, es donde Stokoe hace destacar su obra. Pues mientras el atractivo de este cine radica en grandes explosiones, donde se aborrecen las tramas secundarias que abandonan a los monstruos, en La Guerra del Medio Siglo se deja en un segundo plano a Godzilla, sin llegar a darle un rol completamente antagónico, y se pone el punto de mira en los humanos.

De hecho, el papel del monstruo inevitablemente recuerda a lo visto en las más recientes adaptaciones cinematográficas. Donde, a pesar de varias menciones a su origen relacionadas con la bomba atómica, parece comportarse como una fuerza de choque para mantener a raya a otros titanes, con las desastrosas consecuencias para la humanidad que lleva consigo.

El conflicto que explora Stokoe, es equiparable a las grandes contraposiciones en las historietas, donde se llega a un punto de coexistencia, en la que Ota parece ser incapaz de vivir sin el propósito de acabar con el monstruo. Sobre todo, llama la atención que se trata de un vínculo forjado desde una sola perspectiva, y que conforme avanza en la historia, nuestro protagonista hace todo lo posible por ponerse al nivel de la criatura.

También cabe destacar que, Stokoe se recrea en las batallas y la destrucción, donde además del ya citado Godzilla, veremos un desfile constante de algunos de los otros Kaijus más populares de esta mitología

Aun con un guion bastante solvente y sincero en su propuesta y desarrollo, uno de los mayores atractivos de este trabajo, si no el que más, es un apabullante apartado gráfico, que solo está a la altura de los colosales monstruos que ilustra.

Con una muy clara influencia del Manga y del mercado asiático, tenemos a un James Stokoe completamente desatado. Un autor que comparte escuela con otros artistas como Steve Skroce, en el que tenemos un estilo altamente detallista, donde no deja dientes o escamas sin remarcar, y donde la espectacularidad visual está a la orden del día.

Un desfile incesante de destrucción y batallas de monstruos que se despliega con una narrativa gráfica rápida y fluida, enriquecida por los recursos más característicos del manga. Con una maestría que demuestra un notable dominio de las líneas cinéticas para crear movimiento a las escenas, así como generando ambientación, a través de la forma en la que ilustra explosiones o nubes de polvo.

Y todo ello se ve intensificado y reforzado por un gran uso del color. Donde la atmósfera se consigue a través de una gama cromática muy saturada de rojos y naranjas, con un fuerte contraste del azul atómico de Godzilla, y en donde tendremos acreditado a Heather Breckel como colaborador.

Mención honorífica, por supuesto, a los diseños que nos ofrecen, pues en un momento donde lo fácil y llamativo sería optar por el estilo visual de occidente, el autor recurre a las versiones más apegadas a sus raíces orientales, logrando un punto de vista tan icónico como nostálgico.

James Stokoe demuestra cómo se le puede sacar partido a una franquicia con una trayectoria tan larga y utilizada, aportando una perspectiva refrescante. Y aunque no busca sentar precedentes ni revolucionar el mundo del noveno arte, su originalidad y trabajo artístico bien merecen ser destacados.

Con todo ello, La Guerra de Medio Siglo se erige como una obra esencial y referencial para los aficionados de los Kaijus, y un trabajo que rinde el mejor homenaje posible al Rey de Los Monstruos.

Créditos: La Burbuja Literaria de J.C

Antes de hablar de la obra en sí, y para entender por qué el Rocketeer dejó una huella tan profunda desde sus primeras historias, toca repasar sus primeros años de vida. La primera historia del personaje creado por Dave Stevens (1955-2008) vio la luz en los primeros años de la década de los 80. Stevens era un artista polivalente que había entintado, ilustrado y coloreado obras con otros autores, pero con Rocketeer actuaba como autor completo. Es cierto que su trayectoria con el personaje fue un poco errante, pasando por varias editoriales, pero es innegable que había mucho potencial en esa creación. Una de las cosas que lo atestigua es que en 1991 apareciera la adaptación cinematográfica del cómic, siendo dirigida por Joe Johnston, en la cual tuvo una participación creativa el propio Stevens. Aquí en nuestro país también ha sido un poco errática la edición en castellano del material de cómic que había publicado en EE. UU., pues fueron primero Zinco y Norma Editorial quienes se encargaron de ello, y es ahora Moztros quien, con mucha fuerza y varios proyectos que ya han visto la luz en España, se va a encargar de que no nos falten aventuras de este tipo.

El contenido de este tomo de aventuras son cuatro grapas americanas que vieron la luz en el 2011 a través de IDW Publishing. Cada una de esas grapas contenía varias historias cortas realizadas por multitud de artistas reconocidos del medio, los cuales podían aportar así su visión sobre el Rocketeer, o simplemente una manera en la que querían que lo disfrutásemos. Pues bien, teniendo en cuenta que en el 2012 se hicieron otros cuatro números también con mucha gente talentosa, y que todo este material de ambos años se recopiló en un tomo de tapa dura en 2017 también por IDW, cabe esperar que tarde o temprano nos llegue a España una continuación de esta primera recopilación que ha traído Moztros en 2023. En su día Norma Editorial publicó los dos tomos, así que espero que Moztros lo haga también.

¿Qué autores han participado aquí? La verdad es que son tantos que ponerlos aquí haría largo de leer este apartado, y en más de una ocasión quien guioniza se ocupa de la ilustración y hasta el color, pero os destaco figuras como las de Mike Allred, John Arcudi (del cual he reseñado muchas de sus historias en “AIDP“ y “Abe Sapien“), Kurt Busiek, John Cassaday, Darwyn Cooke, Dave Gibbons, Ryan Sook, Dave Stewart (mi colorista favorito del Hellboyverso) o Mark Waid (que ya se ocupara de otra obra del personaje como “Rocketeer: Cargamento de la destrucción“). De la realización técnica se ocupa Germán D’Agostino, y traduce al castellano Rodrigo Díaz.

¿Qué historias nos encontraremos aquí? La sinopsis nos dice lo siguiente:

“Rocketeer, la creación más célebre de Dave Stevens, fue un éxito instantáneo apenas irrumpió en el mercado de los cómics a principios de la década de los ochenta.
Sin lugar a dudas, su arte exuberante y sumamente distintivo y la divertida historia repleta de acción inspirada en las novelas pulp de aventuras de la época en la que se desarrolla The Rocketeer fueron los factores más determinantes detrás de este fenómeno de prestigio y popularidad.

Sin embargo, Stevens solo pudo realizar dos novelas gráficas de Rocketeer (recopiladas en el álbum integral Rocketeer, de Dave Stevens publicado también por Moztros) debido a una enfermedad que interrumpiría su vida. Pero ahora, gracias a la cooperación de los herederos de Dave Stevens e IDW, llega esta antología con nuevas interpretaciones de Rocketeer realizadas por los mayores talentos artísticos de la actualidad: Mark Waid, Kurt Busiek, John Cassaday, Dawyn Cooke, Dave Gibbons, Mike y Laura Allred, Bruce Timm, John Arcudi, Tommy Lee Edwards, Scott Hampton, ¡y muchos más! Así que acerca una silla, siéntate un rato y… ¡descubre de nuevo a Rocketeer!”

Este tomo contiene doce historias cortas del personaje, las cuales pivotan sobre diferentes elementos claves de sus primeras historias, como son la valentía y temeridad de Cliff Secord, su carácter infantil, posesivo e inseguro respecto a su relación con Betty y la forma en que otros hombres intentan conquistarla, así como sacar de apuros a la mencionada mujer, o la existencia de personas que quieren hacerse con la mochila cohete para sus propios fines. En líneas generales, y aunque cada historia corta es la voz de su guionista, y está ambientada en un año u otro diferente, las narraciones más o menos contienen los elementos antes mencionados, en mayor o menor medida. Es lógico que, si todo eso hizo que el Rocketeer despertara pasiones desde sus inicios, tanto en la adaptación cinematográfica de sus aventuras, como ahora en este tomo, se conserve el esquema inicial de sus peripecias.

No quiero destriparos todo lo que os encontraréis aquí, por lo que hablaré de unas pocas historias que me han resultado más llamativas, aunque el nivel general del tomo es notable y no es tan fácil quedarse con unas pocas narraciones, sino que las he disfrutado todas. Ahora bien, las imágenes que veis en la reseña pertenecen a la primera de las aventuras del Rocketeer, en la cual el personaje deberá rescatar a Betty, que ha sido secuestrada por unos delincuentes. Cliff se verá obligado a pensar rápido para salir del atolladero, pues no solamente deberá salvar a su novia, sino que será lanzado un misil que podría causar muchos daños si impacta en una zona poblada. ¿Logrará el héroe salir del apuro exitosamente, o solamente salvará a Betty, o detendrá el misil?

Otra historia interesante tiene como principal protagonista a Betty, la cual está en contacto con Cliff a través de cartas que se intercambian entre ellos, ya que él se encuentra en esta ocasión luchando en la Segunda Guerra Mundial, donde hace heroicidades como Rocketeer. Así pues, la correspondencia entre ambos abarca unos años, en los cuales Cliff le va contando algunas de las cosas que hace en el frente, mientras ella sufre porque no sabe si, tarde o temprano, su novio volverá de la gran guerra. Y una tercera historia que me apetece destacar, tiene que ver con el auge de los cómics, pues Cliff es incapaz de verle encanto a este tipo de lecturas, y considera que su papel como el Rocketeer también es igual de heroico que el de los personajes de las viñetas. Tendrá que intentar salvar a un actor que, disfrazado de superhéroe, será atacado por alguien que quiere matarle. ¿Logrará Cliff que la gente deje los cómics y valore sus hazañas?

¿Qué valoración merece el trabajo de los autores? En obras de este tipo, que recopilan la labor de muchas personas, es difícil hacer valoraciones individuales, o al menos prefiero hacerlas de forma genérica. Claro que tengo mis historias favoritas que destacaría por sus guiones, pero en líneas generales, y teniendo en cuenta que en todos los capítulos las peripecias de Cliff Secord mantienen la esencia de todo lo que le hizo destacable desde sus orígenes, he disfrutado bastante de cuanto podía ofrecerme cada escritor. No deja de ser una bonita oportunidad de disfrutar del Rocketeer a través de la visión y el cariño que cada artista tiene por la gran creación de Dave Stevens, y el hecho de que las historias sean cortas, hace que sea imposible aburrirse. Cabe señalar finalmente que, de las doce aventuras, una de ellas no es en formato cómic, sino que es un relato con ilustraciones, y puede gustar más o menos, pero es una variación de la fórmula mayoritaria en el tomo.

Respecto al trabajo de los ilustradores, quizás aquí si tiendo a disfrutar más del tipo de dibujo que tienen unos artistas u otros, pero lo bueno que veo en las recopilaciones de historias es precisamente eso, tener variedad para que, a pesar de narrarse aventuras de un mismo personaje, cada autor aporte una visión diferente. También entran en juego las preferencias personales, pues soy gran fan del trabajo de Cassaday y me ha encantado su aportación, pero igualmente me han dado un gran disfrute los lápices de Darwyn Cooke, Chris Weston, Ryan Sook o Michael Wm. Kaluta. Hay algunos tipos de dibujo que no me han entusiasmado tanto o no asocio demasiado con lo que piden las aventuras del Rocketeer, pero al ser la forma en que cada persona ha querido rendir su homenaje al legado de Stevens, me parece que todos los tipos de trazo han merecido la pena.

Respecto al color, salvo una historia que es en blanco y negro y otra que parece coloreada con acuarela, el resto mantienen una coherencia visual que se agradece, porque facilitan el hecho que sintamos más orgánica la recopilación de historias, y las paletas usadas son de estilo clásico, lo cual es indispensable para un contenido ambientado en la década de los 40.

¿Merece la pena el cómic? No puedo decir nada más que INDUDABLEMENTE SÍ, estamos ante un tomo que recomendaría encarecidamente a los fans del Rocketeer, pero también a quienes no hayan tenido nunca contacto con él, pero tengan curiosidad y quieran remediarlo. Aventuras por doquier, carisma a espuertas y mucho amor por el personaje es cuanto os encontraréis aquí. Yo he disfrutado un montón, y estoy deseando que salga el otro tomo por seguir viendo el trabajo de otros autores con este juguete.

Por último, y respecto a la edición de Moztros, es un bonito tomo de tapa dura que trae como contenido extra un montón de ilustraciones, tanto de Dave Stevens como de otros artistas. Y esto es todo por mi parte, si queréis ver más reseñas mías podéis hacerlo aquí. ¡Hasta otra!

Créditos: Brian de www.laestaciondenieblas.com

Donny Cates es un escritor reconocido sobre todo por sus trabajos en Dark Horse, como God Country (donde también trabajaba con el ilustrador de Cross Over, Geoff Shaw) además de sus andanzas en las cabeceras de Dr Strange o Venom de Marvel.
Por su parte, el dibujante de este Vanish, Ryan Stegman, ya coincidió con Cates en la cabecera de Venom, donde trabajaron juntos en ese arco de Knull llamado King in Black, que se publicó en nuestro país en 2021, pero que es especialmente conocido por su andadura con Spiderman en Superior, dibujando varios de los números que componen este arco.
Ambos se juntan una vez más para dar vida a este título, que en la actualidad es serie abierta y cuenta con 8 números en el país de las barras y estrellas donde ha sido serializado desde septiembre de 2022 de manera prácticamente mensual, a excepción de algún parón. Sale del sello Image bajo la línea KLC, ‘Kids Love Chains’, creada por Cates y Stegman para dar rienda suelta a sus creaciones más independientes y donde dan cobijo a otros autores en la misma sintonía. Por cierto, este nombre es una referencia a una cita de Todd McFarlane que dijo mientras Rob Liefield y él, observados por Stan Lee, dibujaban a Overkill mientras estaban siendo grabados. McFarlane decidió que añadiría cadenas al personaje, y mirando a cámara soltó la célebre cita.
El volumen de la edición de Moztros en tapa dura nos incluye los cuatro primeros números de esta aventura en una edición que está acorde al resto de publicaciones de la casa editorial y que incluye el curioso extra de una portada que brilla en la oscuridad, detalle que me ha retrotraído a mi infancia cuando en los 90s el uso de este tipo de tinta estaba en auge y lo veíamos, por ejemplo, en las portadas de los libros de R.L. Stine de ‘Pesadillas’.
‘Vanish’ nos sumerge en un universo donde existen dos realidades paralelas que rara vez han interactuado. Por un lado, contamos con el plano terrenal que viene a ser la Tierra tal y la conocemos; pero a su vez, existen Las Tierras Neblinosas de la Ciudadela Eterna – toma nombre macarra –, un mundo de fantasía y magia, donde la civilización ha llegado a su punto más alto y está dirigido por una orden que vela por el equilibrio, siendo una de sus máximas leyes el no establecer contacto con el mundo humano y dejarlo a su propia suerte.

En este mundo, existe una escuela arcana encargada de instruir a niños en las artes místicas para la defensa de estas leyes, la cual es bastante estricta y está liderada por Orrin, un anciano y poderoso hechicero que dirige con puño férreo esta institución. Sin embargo, un día la Ciudadela y la escuela son asaltadas y destruidas por Vanish, un antiguo aprendiz de Orrin que ha conseguido hacerse con un poder sin límites y ha captado un grupo de adeptos, Los Huecos, y quiere poner fin a las leyes establecidas, decidiendo que el mundo humano necesita de la influencia y dominio de los hechiceros – Hola, ¿Voldemort?
Es entonces cuando nuestro protagonista, que en ese momento es un adolescente de catorce años, accede a la cámara de artefactos prohibidos, saltándose todas las normas, para frenar la incursión y masacre de Vanish. ¿Qué puede detener al hechicero más poderoso de todos? Un arma del mundo humano. Así pues, Oliver se hace un con una pistola y le vuela la tapa de los sesos a Vanish, salvando el día y acabando con la ola de terror del grupo rebelde.
Detrás quedan miles de muertos, una ciudad desolada y una nueva vida. El mundo humano aguarda. Han pasado varios años y Oliver, tal como esas estrellas de cine juvenil, ha pasado del éxito al abismo más oscuro. Adicto a mil substancias, bebedor compulsivo y perdido en su propia mente, es un día asaltado por unos pocamontas en un callejón, pero es rescatado por uno de los superhéroes que conforman Prestigio, el grupo de héroes más poderoso del planeta. No obstante, una marca en el pecho de Oliver le avisará del peligro, puesto que este superhéroe es uno de los integrantes de Los Huecos, con una nueva apariencia que ha escapado a La Tierra donde ahora pretenden hacer el bien. Pero Oliver no olvida. Oliver quiere venganza disfrazada de justicia.

De aquí, continuaremos con una historia en busca de sangre, donde el protagonista irá dando caza de manera un tanto patosa – recordemos que prácticamente es un yonki – a estos distintos componentes y absorbiendo sus poderes a la par que va acabando con sus enemigos de las formas más violentas posibles. Sin darse cuenta, irá traspasando la línea gradualmente y en este primer volumen los lectores ya comenzamos a preguntarnos a nosotros mismos: ¿quién es el héroe y quién el villano?

El hecho de que sea una obra que no tiene ningún tipo de complejos me ha resultado uno de los factores más atractivos de este ‘Vanish’. Cates y Stegman nos ofrecen un proyecto resultante de meter en una coctelera elementos e historias con los que disfrutan, como el género de superhéroes, la estética noventera, la cultura pop de grandes sagas y ecos del mundo de la literatura y los videojuegos. Como resultado, obtenemos una obra que no es pretenciosa y no pretende reinventar la rueda pero que se disfruta, se digiere a las mil maravillas y te deja el cuerpo con ganas de más marcha.
Otro punto a favor es su ritmo narrativo. Aquí no tenemos interminables flashbacks para explicar el background del universo o los personajes ni explicaciones pedantes que nos saquen de la historia. Va al grano como una locomotora con las chimeneas bien cargadas de carbón. La acción es frenética y los enfrentamientos duran apenas un par de páginas cargados de violencia y onomatopeyas, muy en consonancia quizás con aquel ‘Do a Powerbomb’ que reseñamos en el último programa. Si pestañeas te lo pierdes.
Por su parte, el dibujo también bebe mucho de los noventa y de esas sagas pijameras más oscuras como Venom y Spawn. El diseño de Oliver recuerda a Raziel, el protagonista de Soul Reaver, ese videojuego de finales de los 90s de PSX, una figura oscura y amenazante y que si nos dejáramos llevar por las apariencias, pensaríamos que se trata del villano desde la primera página. Esto contrasta con el diseño de los supuestos villanos, Los Huecos, que en la actualidad han adquirido la apariencia de superhéroes con mallas y capas muy al estilo ‘Invencible’.

Stegman no se corta en desatar su locura y nos regala páginas llegas de gore y vísceras donde personajes serán reducidos a ojos, tripas y manchas de sangre y por supuesto, las amputaciones y demás contusiones correrán por cuenta de la casa. Tiene un estilo que obviamente va a recordar a Greg Capullo o Cory Walker en cuanto a trazos y tonos, pero también te deja con un retrogusto a McFarlane o a Daniel Warren Johnson por su tratamiento de la violencia explícita. Cosa que además resulta muy curiosa porque como contenido adicional se nos incluyen las portadas alternativas donde podremos ver trabajos de Capullo y Daniel Warren Johnson entre otros, que, a decir verdad, le sientan de fábula al personaje.
En definitiva, una obra que nos ha sorprendido gratamente a todos los estacioneros y que no dudamos en recomendar a los que gusten de este tipo de historias, teniendo en cuenta su crudeza y violencia. Y no nos olvidemos del gran trabajo editorial que ha realizado Moztros. ¡Esperamos vuestras impresiones!